El tormento de san Antonio

EL TORMENTO DE SAN ANTONIO

El tormento de San Antonio', pintada en óleo y témpera sobre madera, la obra es la primera pintura de Michelangelo Buonarroti (1475–1564) que se expone en una colección fuera de Europa, y una de las solamente 4 pinturas consideradas como genuinas del artista. Las otras son el Tondo DOni de la Galería de los Uffizi en Florencia, y dos obras inacabadas en la National Gallery de Londres, La "Madonna de Manchester" y "El entierro"

La pintura, que mide 47 por 35 centímetros, fue vendida en subasta en Londres en julio de 2008, y a partir de entonces fue objeto de estudio en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, donde se expondrá este verano. Mientras era limpiada, la tabla fue seriamente estudiada, hasta llegar a su atribución final al gran artista del Renacimiento.

La conversión de San Pablo

LA CONVERSION DE SAN PABLO

La conversión de San Pablo es un fresco del pintor renacentista italiano Miguel Ángel, ejecutado en la Capilla Paolina del Palacio Apostólico (Ciudad del Vaticano). Data del año 1549. Mide 6,25 metros de alto y 6,61 metros de ancho .

La situación de esta pintura, pareja de la Crucifixión de San Pedro, es sumamente inverosímil Las limitaciones del espacio debieron justificar en parte la aglomeración de personajes y la confusión general que reina en la composición. Pero también se debe pensar que se trata de algo deliberado por parte del autor, que está narrando un episodio traumático de la vida de San Pablo, cuando perseguía a los cristianos y el rayo de Dios le cegó hasta que se convirtió a la fe. El séquito de San Pablo, formado por soldados y criados, está en medio de un impresionante revuelo. La mano de Cristo señala a Pablo, caído en el suelo y cegado por la luz divina. Todos los personajes, soldados y caballos, se alejan del centro como sacudidos por una explosión y Pablo queda solo y desvalido en el centro, ayudado por uno de sus hombres. El resto trata de protegerse los ojos con manos y escudos, mirando con desconcierto al cielo. Muchas figuras están de espaldas, una pose predilecta en Miguel Ángel que de esta manera realizaba minuciosos estudios anatómicos de formas atléticas y musculosas. El caballo en escorzo, del que se ven los cuartos traseros, está inspirado directamente en los caballos de las Batallas de Paolo Ucello, que sirvieron de modelo para casi todos los pintores del Renacimiento, incluidos Leonardo da Vinci o Alberto Durero. El cielo, con Cristo bajando con un poderoso impulso entre sus ángeles y corte divina, retoma la idea del Juicio Final, con una estructura en remolino ascendente por un lado, y descendente por el otro. Se trata, en fin, de una obra de la vejez de Miguel Ángel, terrible, imponente, incomprensible y llena de la sofisticación de un manierismo que ya puede considerarse pleno.

Crucifixion de San Pedro

CRUCIFIXION DE SAN PEDRO

La Crucifixión de San Pedro es un fresco de 6,25 x 6,62 realizado entre 1546 y 1550 por el artista italiano Miguel Ángel Buonarroti.

Se conserva en la Capìlla Paulina

La obra representa el momento inmediatamente anterior al martirio de San Pedro, colocándolo boca abajo en la cruz es izado. Es el último fresco pintado por Miguel Ángel.

El fondo esta dividido en tres secciones con diferentes colores y una enorme nube gris que hace que la escena sea aun mas intensa. El santo se vuelve hacia el espectador con una mirada casi amenazadora

En 2009 se completo la restauración de la capilla, después de 7 años de trabajo, durante el cual los frescos han sido limpiados por el humo y los antiguos depósitos, reavivando los colores originales de la pintura.

Maurizio de Luca, el inspector y jefe restaurador del el Vaticano, ha identificado entre las figuras claras frente al maestro florentino. La figura en cuestión es uno de los tres montados a caballo que lleva un turbante azul lapizuli, prenda utilizada principalmente por los artistas para proteger la cabeza del polvo y que es muy similar a otras caras de Miguel Angel

Cleopatra

CLEOPATRA

Este dibujo fue hecho por el artista para su "amigo" Tommaso Cavalieri

La foto más pequeña es un boceto que se encontró cuando se hizo una restauración del dibujo al parecer se encontraba en el reverso de la hoja.

Autorretrato

AUTORRETRATO

Se dice que el que realizó este retrato fue Ascanio Condivi. Lo describe como un hombre de buen aspecto, de cuerpo huesudo y musculoso, sano tanto por el ejercicio corporal como por el estilo de vida, muy sobrio. De piel rosada y altura media, ancho de hombros y cuerpo enjuto. El semblante redondo, con frente cuadrada y cráneo más ancho que las orejas. La nariz aplastada a causa de la pelea con Torrigiano y los labios finos, con el inferior más salido. Pestañas ralas, ojos pequeños y negros, iluminados por chispas amarillas y azules. El cabello negro con un amago de calvicie y la barba negra bifurcada, de cuatro o cinco dedos de longitud.

Tondo Doni año 1504 - 1505

Tondo Doni

Su diámetro alcanza los 120 centímetros. Se considera que esta obra se ejecutó entre el 1503 y el 1504. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), con su marco original, diseñado por el propio Miguel Ángel.

Miguel Ángel empleó dos medios para esta obra, témpera y óleo. Al aplicar el óleo en capas sucesivas desde el color más intenso hasta el más ligero, de la manera que le fue enseñada cuando era un aprendiz, Miguel Ángel creó un efecto colorista bastante distinto del de los pintores flamencos de la época. La escuela flamenca usaba la técnica al óleo opuesta, de iluminar desde los highlights hasta los tonos más oscuros del pigmento. El efecto colorista de Miguel Ángel se llama cangianti y es típico de su estilo pictórico.

Es el único panel de madera pintado por Miguel Ángel. Fue un encargo de Agnolo Doni, un rico tejedor, para conmemorar su matrimonio con Alex Cecala, la hija de una famosa familia de banqueros. Tiene forma de tondo, esto es, redonda, lo que se asociaba en el Renacimiento con el matrimonio.

En primer plano está la Virgen con el Niño y detrás, san José, de grandiosas proporciones y dinámicamente articulado. María y José presentan al Niño al espectador. Esta composición de presentación podría estar refiriéndose al nombre del comitente de la pieza Doni, en italiano "regalos", y ayuda a fundamentar la tesis de que fuera él quien lo encargó.

Detrás de estas figuras principales, separados por una balaustrada, se distingue a san Juan y un grupo de ignudi. El significado de este añadido de figuras desnudas masculinas es objeto de debate, pues no hay ninguna relación obvia ni precedentes bíblicos que la relacionen con la escena que transcurre en el primer plano. No obstante, la inclusión de estas figuras desnudas no es de modo alguno inusual en la obra de Miguel Ángel, como puede verse en otras obras suyas, incluyendo el famoso techo de la Capilla Sixtina. Se cree que pueden ser ángeles ápteros, esto es, sin alas.

El santo entierro año 1500 - 1501

El santo entierro

El Santo Entierro se trata de una tabla al temple inacabada, datada hacia 1500-1501, que se encuentra en la National Gallery de Londres. Gracias a unos documentos publicados en 1980, se sabe que durante su estancia en Roma recibió el encargo de hacer un retablo para la iglesia de Sant'Agostino de esa ciudad y que el artista devolvió el pago recibido a cuenta, ya que no había podido acabarlo debido a su retorno a Florencia en 1501.

Esta tabla, que durante muchos años se ha dudado si pertenecía a Miguel Ángel, finalmente se ha reconocido como obra suya. Las figuras de Cristo y san Juan son las que muestran más fuerza, y su composición es soberbia; la figura de José de Arimatea, situada detrás de Jesucristo se puede observar un curioso parecido con la de san José del Tondo Doni