La personalidad de Miguel Angel fue tan rica y dramática como sus propias obras. Con vívidos colores y mano maestra la vida y obra de este genio del Renacimiento ha llegado a nuestros dias
Espero que logréis admirar la obra de este genio como lo hago yo, este es un pobre resumen de la grandeza de su obra y su vida
Se dice que el que realizó este retrato fue Ascanio Condivi. Lo describe como un hombre de buen aspecto, de cuerpo huesudo y musculoso, sano tanto por el ejercicio corporal como por el estilo de vida, muy sobrio. De piel rosada y altura media, ancho de hombros y cuerpo enjuto. El semblante redondo, con frente cuadrada y cráneo más ancho que las orejas. La nariz aplastada a causa de la pelea con Torrigiano y los labios finos, con el inferior más salido. Pestañas ralas, ojos pequeños y negros, iluminados por chispas amarillas y azules. El cabello negro con un amago de calvicie y la barba negra bifurcada, de cuatro o cinco dedos de longitud.
El Cupido durmiente, es una obra desaparecida, realizada en mármol por Miguel Ángel de tamaño natural en el año 1496.
Después de una breve estancia en Bolonia, regresó Miquel Ángel a Florencia, donde esculpió el Cupido, al verla, una vez terminada, Lorenzo di Pierfrancesco de Médici (1463-1503) le dijo al escultor: «Quizá si la enterraras y la trataras para darle el aspecto de una obra antigua, la enviaría a Roma, donde estoy seguro de que creerían que es una antigüedad y la venderías mucho mejor». Cierto era que las obras antiguas se vendían mucho mejor que las de realización nueva. La escultura fue vendida como hallazgo arqueológico al cardenal Riario, sobrino del papa Sixto IV, quien pagó doscientos ducados de oro, pero el marchante que se encargó de la operación le entregó a Miguel Ángel solo treinta ducados. Comprado más adelante, por César Borgia en 1502, terminó finalmente regalado a Isabel de Este (1474-1539). Está documentado en un inventario en Mantua de 1542, perdiéndose todo rastro de él cuando fue enviado a Carlos I de Inglaterra en 1632
La Piedad de Palestrina es una obra atribuida a Miguel Ángel, que se encuentra en la Galería de la Academiala Virgen María y María Magdalena, coon una medida de dos metros y medio de altura. de Florencia,
junto al David, otra escultura del artista , y consta de un grupo escultórico con Cristo,
El nombre de la obra proviene del hecho que durante un tiempo estuvo colocada en la capilla fúnebre del cardenal Antonio Barberini, en el interior de la iglesia de Santa Rosalía en Palestrina, donde por primera vez se encuentra citada como esbozo de Miguel Ángel en 1756 en Storia di Palestrina por Cecconi, el estado italiano la compró en 1939 para exponerla en la Galeria de la Academia en Florència.
Existe una fuerte duda acerca de la paternidad de Buonarroti sobre esta obra, porqué a pesar de su importancia, no se encuentra citada en ningún documento de la época, mientras el resto de su producción artística se encuentra referida con precisión.
Se especula que Miguel Ángel la hubiera esculpido directamente en una cantera de Carrara, mientras estaba ocupado en el suministro de mármoles para sus obras. En realidad, está esculpida en un gran bloque de mármol romano de la época imperial, incluso en su parte trasera se encuentra visible la decoración en forma de hoja de acanto de una parte de un arquitrabe antiguo.
Los autores que la atribuyen a Miguel Ángel la han colocado entre las últimas obras del maestro, realizada alrededor de 1550,(datada en Gazette des Beaux Arts (1907) por A. Grenier) cuando en Roma, sin ningún encargo , trabajada para sí mismo en el tema de la piedad, para la utilización en su sepultura. Se encuentra afinidad en algunos trazos del proyecto con otras obras del escultor, por ejemplo en la proporción de las piernas del Cristo, se piensa que el resto de la figura la pudo realizar bajo su dirección por un alumno.
El artista mantuvo relaciones con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en 1543, Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de Santa María in Aracoeli de Roma, y encargó que la realizase a su discípulo Urbino
El Crucifijo del Santo Spirito, es una obra escultórica de la juventud de Miguel Ángel, que se encuentra en la sacristía de la Basílica del Santo Spirito en Florencia.
Después de la muerte de su gran mecenas Lorenzo el Magnífico, Miguel Ángel fue hospedado en el convento del Santo Spirito en el año 1492. En este lugar, con la autorización del padre prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini, tuvo la posibilidad de analizar los cadáveres provenientes del hospital del convento para estudiantes de anatomía, consiguiendo de esta manera una gran experiencia para sus futuros trabajos en la representación del cuerpo humano.
Como agradecimiento a la hospitalidad recibida, Miguel Ángel realizó un crucifijo en madera policromada, donde resolvió el cuerpo de Cristo desnudo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura. Así mismo el rostro parece el de un adulto con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está realizada con colores muy tenues y unos leves hilos de sangre en armonía con la simplicidad de la talla de la escultura. Se dio por perdido durante la dominación francesa, hasta su recuperación en el año 1962, en el mismo convento, cubierto con una espesa capa de pintura que lo hacia, casi irreconocible
En 1505 el papa Julio II encargó a Miguel Ángel un mausoleo que había de colocarse exento sobre la tumba de San Pedro en el Vaticano. El proyecto inicial, que ilusionó al artista, no se llevó a cabo, sino que sufrió sucesivos cambios y reducciones hasta 1542. Esto constituyó para Miguel Angel una gran contrariedad, calificada, con palabras de Condivi, biógrafo del escultor, como «la tragedia del Panteón».
Miguel Ángel proyectó en el dibujo inicial de 1513 una estructura piramidal, cuya zona basamental de forma rectangular llevaba hornacinas con grupos de la Victoria entre hermes a las que iban adosados los esclavos en diversas actitudes. Encima había cuatro grandes estatuas en las esquinas: Moisés, San Pablo, la Vida activa y la Vida contemplativa. Por detrás de ellas la construcción seguía escalonada hasta un remate de doce ángeles sosteniendo un féretro (Condivi), una barca (Vasari) o la imagen del Papa sedente en cátedra (Panofsky). Tras el fallecimiento del Papa en 1513, el monumento se transformó en un híbrido entre mausoleo y tumba adosada y el programa iconográfico se hizo más complicado. Las estatuas sedentes pasaban a ser seis y en la zona superior se abría una hornacina para cobijar una mandorla con la Virgen con el Niño y bajo ella la efigie del Papa entre cuatro ángeles. Una nueva reducción se plasma en un tercer contrato, de 1516, que convierte al mausoleo en una simple tumba adosada. Otros dos proyectos de 1526 y de 1532, lo convertirían en una fachada arquitectónica que conservó el Papa yacente sobre un sarcófago, a la par que se reducía el número de estatuas a una Sibila, un Profeta, una Virgen, el Moisés, desplazado ahora a la parte inferior, y los dos esclavos del Louvre. El contrato de 1532 contempla la colocación del monumento en San Pietro in Vincoli, donde finalmente se situaría. Agregó a este proyecto dos esculturas de Raquel y Lía que representaban la Vida activa y la Vida contemplativa desechando las dos estatuas de los esclavos. Así se hizo definitivamente el mausoleo entre 1542 y 1545.
Según Panofsky, el significado de la tumba sería el de un «triunfo espiritual, que inmortalizase al Papa en una ascensión gradual en el sentido de la filosofía neoplatónica, desde la lamentación a la alegría. Así los esclavos representarían las «provincias subyugadas por aquel Pontífice y llevadas a la obediencia a la Iglesia Apostólica» (Vasari) o las artes (Condivi) o el alma humana esclavizada por la materia (Panofsky). Moisés y San Pablo son ejemplos de los que habían alcanzado la inmortalidad espiritual por medio de una síntesis perfecta entre acción y contemplación. La Vida activa y la Vida contemplativa son los dos caminos hacia Dios.
La imponente figura de Moisés, inspirada en el San Juan de Donatello, está dotada de una gran energía y expresa su asombro ante el «esplendor de la luz divina» (Panofsky). En el Esclavo moribundo y el Esclavo rebelde se expresa el esfuerzo por liberarse de unas ataduras morales más que físicas por medio de un movimiento sobre sí mismos en espiral que enriquece sus perfiles. La combinación de la técnica del terminado, fino y pulido, y del no terminado realizado con cincel dentado, aumenta el efecto expresionista de estos colosos desnudos.
