Espero que logréis admirar la obra de este genio como lo hago yo, este es un pobre resumen de la grandeza de su obra y su vida


.

Tondo Doni año 1504 - 1505





Tondo Doni

Su diámetro alcanza los 120 centímetros. Se considera que esta obra se ejecutó entre el 1503 y el 1504. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), con su marco original, diseñado por el propio Miguel Ángel.

Miguel Ángel empleó dos medios para esta obra, témpera y óleo. Al aplicar el óleo en capas sucesivas desde el color más intenso hasta el más ligero, de la manera que le fue enseñada cuando era un aprendiz, Miguel Ángel creó un efecto colorista bastante distinto del de los pintores flamencos de la época. La escuela flamenca usaba la técnica al óleo opuesta, de iluminar desde los highlights hasta los tonos más oscuros del pigmento. El efecto colorista de Miguel Ángel se llama cangianti y es típico de su estilo pictórico.

Es el único panel de madera pintado por Miguel Ángel. Fue un encargo de Agnolo Doni, un rico tejedor, para conmemorar su matrimonio con Alex Cecala, la hija de una famosa familia de banqueros. Tiene forma de tondo, esto es, redonda, lo que se asociaba en el Renacimiento con el matrimonio.







En primer plano está la Virgen con el Niño y detrás, san José, de grandiosas proporciones y dinámicamente articulado. María y José presentan al Niño al espectador. Esta composición de presentación podría estar refiriéndose al nombre del comitente de la pieza Doni, en italiano "regalos", y ayuda a fundamentar la tesis de que fuera él quien lo encargó.








Detrás de estas figuras principales, separados por una balaustrada, se distingue a san Juan y un grupo de ignudi. El significado de este añadido de figuras desnudas masculinas es objeto de debate, pues no hay ninguna relación obvia ni precedentes bíblicos que la relacionen con la escena que transcurre en el primer plano. No obstante, la inclusión de estas figuras desnudas no es de modo alguno inusual en la obra de Miguel Ángel, como puede verse en otras obras suyas, incluyendo el famoso techo de la Capilla Sixtina. Se cree que pueden ser ángeles ápteros, esto es, sin alas.

El santo entierro año 1500 - 1501




El santo entierro


El Santo Entierro se trata de una tabla al temple inacabada, datada hacia 1500-1501, que se encuentra en la National Gallery de Londres. Gracias a unos documentos publicados en 1980, se sabe que durante su estancia en Roma recibió el encargo de hacer un retablo para la iglesia de Sant'Agostino de esa ciudad y que el artista devolvió el pago recibido a cuenta, ya que no había podido acabarlo debido a su retorno a Florencia en 1501.

Esta tabla, que durante muchos años se ha dudado si pertenecía a Miguel Ángel, finalmente se ha reconocido como obra suya. Las figuras de Cristo y san Juan son las que muestran más fuerza, y su composición es soberbia; la figura de José de Arimatea, situada detrás de Jesucristo se puede observar un curioso parecido con la de san José del Tondo Doni

Esclavo moribundo




Escultura de mármol blanco de 2,28 m de altura. Realizada entre 1513 y 1515 para la tumba del papa Julio II. Actualmente se encuentra en el Musée du Louvre, Paris.



Empezó esta escultura Miguel Ángel, después de la realización de la pintura para la bóveda de la Capilla Sixtina. Estaba destinada para formar parte del grupo escultórico de la tumba del papa Julio II, que había de colocarse en la parte inferior del monumento.



Es de una belleza formal y espiritual, presenta un claro contrapposto, se expresa en un abandonamiento como de cansancio total, comparada con esculturas helenísticas del último periodo y con una clara influencia del Laocoonte y sus hijos, también, según el historiador Tolnay, con un san Sebastián de Antonio Rossellino. Vasari interpreta las esculturas de los esclavos con una iconografía de las provincias sometidas por Julio II al poder de la iglesia y Ascanio Condivi con un significado de las artes liberales, dándole al Esclavo moribundo la alegoría de la pintura por la mona que tiene a sus pies.
Al ser eliminadas estas obras para el monumento de Julio II, Miguel Ángel regaló esta escultura junto con la del Esclavo rebelde, en 1546 a Roberto Strozzi, el cual hizo transportar las esculturas a Francia en abril de 1550. Enrique II de Montmoreny en 1632, las regaló al cardenal Richelieu que las tuvo en su castillo de Poitou, donde las vio Bernini] Finalmente fueron confiscadas por el gobierno francés en el año 1793 cuando se pretendían vender por la viuda del último mariscal Richelieu. Desde entonces se encuentran en el Louvre

Hercules año 1492



HERCULES

El Hércules fue una escultura en mármol del año 1492 realizada por Miguel Angel en Florencia y que en la actualidad se encuentra desaparecida.

El 1492, a la muerte de Lorenzo el Magnífico y por iniciativa propia, realizó una escultura de un Hércules de mármol en la casa paterna, escogiendo el tema por ser Hércules, desde el siglo XIII uno de los patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan Battista Palla, al que se la adquirió el rey de Francia Enrique II y fue colocada en un jardín de Fontainebleau, donde Rubens realizó un dibujo de esta escultura, que se conserva en el museo del Louvre en París. En 1713 desapareció. Solo queda el mencionado dibujo y un esbozo guardado en la casa Buonarroti.

Esta obra se realizó en una escala gigantesca y por el dibujo de Rubens se aprecia que se representó como un héroe joven con la cabeza girada hacia un lado, la clava apoyada en el suelo formando una diagonal, mientras la figura parece que está en reposo, el conjunto aparece como una estatua antigua, sin embargo los pliegues de la vestimenta están inspirados en el san Jorge de Donatello. Por los escritos de Ascanio Condivi se sabe la medida que era de “Bracia quatro”, es decir, 2,40 metros.

Angel y candelabro año 1475 - 1564

ANGEL Y CANDELABRO


Recibió el encargo de parte de Francesco Aldovrandi, de realizar tres esculturas para completar la sepultura del fundador del convento de San Domenico Maggiore, llamada "Arca de Santo Domingo", para la que esculpió un Ángel porta candelabro, arrodillado que forma pareja con otro realizado por Niccolo dell'Arca , además un San Próculo y un San Petronio, que actualmente se conservan en la Basílica de San Domenico de Bolonia. Escultura realizada en mármol, es la única figura alada en toda su escultura. Bajo el drapeado exquisito se adivina la poderosa musculatura de brazos, piernas y cuello. Retorna Miguel Angel a la escultura típica toscana del siglo retorna Miguel Ángel a la escultura típica toscana del siglo XV, pero con un aire monumental, se aprecia en los ropajes un gran dinamismo con claro recuerdo a Jacopo della Quercia

Pieta Rondanini año 1561





La Piedad Rondanini se encuentra en el museo del Castillo Sforzesco de Milán.. Considerada como la última obra esculpida por Miguel Ángel, fue encontrada en su estudio después de su muerte e inventariada como:

Estatua iniciada de un Cristo con otra figura encima, juntas, esbozadas y sin acabar.

En agosto de 1561 Miguel Ángel regaló la figura, aún en ejecución, a su criado Antonio del Francese, a pesar que continuó trabajando en ella hasta su defunción.
Más tarde, fue adquirida por el marqués de Rondanini, permaneciendo en su palacio durante mucho tiempo, finalmente en 1952 fue adquirida por el ayuntamiento de Milán, que la destinó al museo Cívico del castillo de Sforzesco.

El grupo escultórico, se encuentra sin acabar, y el trabajo se ve claramente que fue realizado en diversas etapas, tiene partes completamente acabadas y otras aún en elaboración como el rostro de la Virgen.

Desde un punto ideológico la escultura se ha relacionado con el momento de la cultura reformista que rodeaba a Vittoria Colonna y donde participaba el escultor.

El esclavo rebelde año 1513 - 1515






El perfil de la cabeza del Esclavo rebelde revela la referencia a la estatuaria helenística. La estatua en su conjunto remite a las formas del Laocoonte , una de las obras antiguas más célebres en tiempos de Miguel Ángel, que había asistido en persona a su descubrimiento en Roma en, durante una excavación en la Domus Aurea.

A este esclavo le espera la esquina izquierda del monumento (si lo miramos de frente). Está predestinado para que se le mire diagonalmente, es decir, en el arco de 90º que forman nuestros pasos cuando giramos en torno al monumento. Sus ataduras, que cruzan el torso del reo, nos pasan desapercibidas: su figura parece estar sometida a una fuerza que logra inmovilizarlo, algo así como un prisma invisible en el que más tarde reconoceremos la forma original del bloque de mármol antes de que Miguel Ángel comenzara a esculpir. Pero lo que más me atrae de esta última obra es, quizás, una visión literaturizada de entender su existencia a través de su forma.

Fue hecha entre 1513 y 1515, al final fueron realizadas de la version definitiva, Miguel Angel las regalo a su amigo Roberto Strozzi, quien a su vez la regalo al rey de Francia, hoy esta expuesta en el Museo del Louvre (París)

Virgen con niño año 1501 - 1504




La Madonna de Brujas es una escultura en mármol realizada entre los años 1501 y 1504 por Miguel Ángel y que se encuentra en la iglesia de Nuestra Señora en Brujas. Sus medidas son de 123 centímetros.


Realizada inmediatamente después que la Piedad del Vaticano, por encargo de unos mercaderes flamencos, los Mouscrom, esta Virgen con Niño, presenta parecido movimiento en las vestiduras con la anterior Piedad, pero aquí adquiere una solemnidad plástica, debido a su verticalidad, parecida a una arquitectura. El rostro es ovalado de gran belleza clásica, enmarcado por las ondulaciones del velo, sobre el cabello. Se encuentra como si estuviera en un momento de pensamiento profundo, mostrándose con una gran serenidad, mientras el Niño, de pie, está recostado entre las piernas de su madre y junta su mano con la de ella, dando con la energía de este gesto, la sensación dinámica que es él, quien la está sosteniendo.


Por una carta dirigida a Miguel Ángel de Giovanni Balducci con fecha 14 de agosto de 1506, se le informa del trasldo de la escultura a Brujas por Giovanni y Alessandro Moscheroni, fue colocada en una capilla de la catedral, donde la vio Durero en 1521. En la época de Napoleón fue llevada a Francia y devuelta a Brujas en 1815.

Tondo Taddei año 1504





El Tondo Taddei es una escultura en relieve redondo de mármol, realizada en 1504 por el escultor Miguel Ángel, y que actualmente se encuentra en la Royal Academy of Arts de Londres. Su medida es de 109 cm de diámetro.
Consta el bajo relieve, encargo de Taddeo Taddcei, de los personajes de la Virgen con Jesús Niño y san Juan Bautista también niño, sosteniendo un pájaro en sus manos, símbolo de la Pasión de Cristo. Las partes pulidas y completamente acabadas son el Niño y la parte superior de la Virgen. Destaca el claroscuro gracias al inacabado que consigue destacar más el contraste, también se aprecia, un gran dinamismo para la composición de líneas verticales rotas por la posición de Jesús que forma una línea horizontal.

La batalla de Cascina años 1503 - 1505






Se representa la reacción de los soldados ante el inminente ataque del ejército pisano, en el que ganará Flor.
Tiene muchas novedades: no suele representar así una batalla. Es una galería de desnudos.
Composición organizada como un trapecio, y dentro tres triángulos, a la izquierda, derecha y centro. El resto son figuras secundarias, que sirven de unión.
Cartón realizado por Holkham Hall, copia de Miguel Ángel, probablemente solo sea la zona central, y el resto aún no se haya encontrado. La mayor parte de los artistas renacentistas van a copiar esta obra.
Escena indigna iconográficamente, momento de debilidad del ejército. Las figuras son una galería de escorzos, cada una tiene una postura. Efecto de movimiento en el espectador. También es una galería de torsiones de los cuerpos. Todos representan la idea del desnudo perfecto del momento y de Miguel Ángel.
La historia que se recoge está inspirada en la "Crónica Villani" que narra los hechos acaecidos el 29 Julio de 1364 cuando el jefe de las tropas florentinas que iban a atacar Pisa, Galeotto Malatesta, se situa a 6 millas de la ciudad, en lugares de Cascina. El calor reinante provoca que los soldados se despojen de sus armas y se bañan en el Arno, momento que sería aprovechado por los pisanos para atacar, pero Marino Donatti dió la alarma resolviéndose el enfrentamiento a favor de los florentinos. Miguel Ángel interpreta la tensión de la batalla y el movimiento, utilizando figuras desnudas para su ejecución.
En 1504 el regidor de la República de Florencia, Soderini, encargaba a Miguel Ángel un cartón con la Batalla de Cascina que sirviera como precedente al fresco que decoraría la sala del Consejo del Palacio "Vecchio" de la capital toscana. En la pared de enfrente se situaría la Batalla de Anghiari que ya se había encargado a Leonardo, convirtiéndose la sala en el lugar donde competirían artísticamente los mejores creadores de la ciudad. Buonarroti inició los trabajos en marzo de 1505, acabándolos hacia el mes de noviembre del año siguiente; el cartón se ejecutó en una estancia del hospital "dei Tintori" en San Onofre, junto a la iglesia de Santa María Novella, desde donde se llevó a su destino. En la segunda mitad del siglo XVI fue dividido en varios fragmentos que se han ido perdiendo, encontrándose en la actualidad copias parciales como ésta que contemplamos, realizada posiblemente por Aristoteles da Sangallo, apuntándose también a Bastiano da Sangallo. Algunos especialistas consideran que Miguel Ángel inició la ejecución del fresco que fue interrumpida de manera inmediata, quedando el encargo sin realizar por parte de ninguno de los dos maestros.
Aquí demostró Miguel Ángel su gran dominio del desnudo, junto con el movimiento dinámico y de creación, hasta agotar todas las posibilidades expresivas, con una gran variedad de técnicas: algunas figuras están contorneadas con carbón; otras, con trazos fuertes, están esfumadas e iluminadas con yeso

Tondo Pitti año 1503





El Tondo Pitti, es una escultura realizada en relieve de mármol con un diámetro horizontal de 82 cm y vertical de 85,5 cm por el escultor M;iguel Angel hacia el año 1503 y que se conserva en el Museo Nazionale del Bargello de Florencia

Consta el tondo o círculo, de tres personajes, la Vírgen María con su hijo Jesús y San Juan Bautista, el gran dinamismo de la escultura es el giro de la Virgen que rompe con los dos puntos estáticos del asiento cúbico donde se encuentra sentada y su cabeza mirando hacia el frente, los dos puntos rompen sobresaliendo la moldura del círculo, la composición es piramidal con frecuentes líneas horizontales y oblicuas que comportan una gran plasticidad. El Niño se encuentra en la derecha descansando sobre una libro abierto sobre las rodillas de su madre.

Fue encargado por Bartolomeo Pitti, más tarde regalado por su hijo Miniato Pitti a Luigi Guicciardini y finalmente fue adquirido en 1823 para su exposición en el Bargello.



Algunas zonas no están pulidas. Los pies del niño no están terminados. En esta obra lo que más destaca es la posición de la Virgen pues la cabeza rebasa un lado del marco. La Virgen se está adecuando al marco. En algunas partes podemos ver un alto relieve y en otras tan solo incisiones. El alto relieve se aprecia sobre todo en el rostro de la Virgen.

Baco año 1496 - 97





Escultura de mármol. Primera escultura que realiza de medida natural. Actualmente en el Museo Nacional del Bargello, Florencia. Alcanza la madurez artística y consigue su propio lenguaje más definido. Es la primera escultura de bulto redondo de dimensiones colosales. Se remonta así a las estatuas colosales antiguas.




Baco sostiene una copa que la eleva a la altura del rostro denotando así su embriaguez. Esto también se denota por su postura, pues es mantiene una posición inestable. En la otra mano sostiene una piel y un racimo de uvas de las que come un pequeño sátiro. Es un desnudo total.



Fue encargada por el Cardenal Riario también como una falsificación, aunque a ojos de los expertos está bien acabada. Al cardenal no le gustó por lo que se la quedó otro mecenas, el banquero Jacopo Galli que la conservo en sus jardines y la expuso en una de sus colecciones. Alli fue dibujada por Martín Heemskerck hacia 1532 dónde se aprecia la falta de su mano derecha. Más tarde fue adquirida por Francisco I de Médici en 1572 hasta su paso al Bargello en 1873. Algunos de los artistas extranjeros que fueron a verla pensaron que se trataba de una escultura clásica.

Ascanio Condivi fue el primero que comparó la estatua con las obras de la Antigüedad clásica:

...esta obra, por su forma y manera, en cada una de sus partes, corresponde a la descripción de los escritores antiguos; su aspecto festivo: los ojos, de mirada furtiva y llenos de lascivia, como los de aquellos que son dados excesivamente a los placeres del vino. Sostiene una copa con la mano derecha, como quien está a punto de beber, y la mira amorosamente, sintiendo el placer del licor que inventó; por este motivo se le representa coronado con un trenzado de hojas de vid... Con la mano izquierda sostiene un racimo de uva, que hace las delicias de un pequeño sátiro alegre y vivo que hay a sus pies.







El Baco es para Miguel Angel una encarnación de la savia de la vid, el dios del vino de cuerpo blando y un tanto afeminado. Parece como si la savia le subiera por los miembros hasta llegar a la cabeza, que se inclina debido a su peso. Los racimos de uvas crecen como si fuesen cabellos. La figura simboliza la sobreabundancia de la naturaleza otoñal en el momento del ocaso. Se mantiene erguida pero su postura es cansina, vacilante. El aspecto mortal de su ser se expresa mediante la máscara de león que tiene tras el pie izquierdo, en tanto su renovación periódica viene dada por el satirillo que roba un racimo de uvas. El sátiro está detrás de Baco, y la más cara detrás del sátiro; los tres forman una espiral que el expectador deberá recorrer si quiere ver el grupo en su integridad. Este tipo de composición, que puede contemplarse desde muy diversos ángulos, es excepcional en Miguel Angel, quien gustaba de componer sus estatuas para que se vieran desde un ángulo principal. El delicado juego de los músculos bajo las partes carnosas del cuerpo refleja un conocimiento de anatomía y estatuaria antigua, así como una maestría técnica fuera de lo corriente.


Fauno Año ?



Fauno


La cabeza de fauno es una escultura desaparecida de Miguel Ángel, se cree que fue copiada de otra antigua y ejecutada durante su aprendizaje en el Palacio Medici Riccardi de Lorenzo el Magnífico en Florencia, entre 1489 y 1492. Al parecer mas que copia fue inspirada en otra pero dando su toque personal y envejeciendolo quitandole dientes y frotandola para darle un aspecto mas envejecido
En la Casa Buonarroti, se encuentra desde 1989, una escultura de Cesare Zocchi que está sin datar, pero se cree que la realizó a finales delsiglo XIX, en la que representa a Miguel Ángel muy pequeño esculpiendo la cabeza de fauno, una escultura que se guardaba en los Uffizi y que se pensaba que podría ser la de Buonarroti, desapareció durante la Segunda Guerra Mundial en un traslado realizado por las tropas alemanas.

Sus comienzos en la pintura


El primer maestro de Miguel Ángel fue uno de los pintores florentinos más prestigiosos de su tiempo: Domenico Ghirlandaio, a quien le fue confiado el joven de doce años de edad “para aprender a pintar y dedicarse a ese ejercicio”. La discordancia de las fuentes impide un conocimiento claro de la cronología y de la modalidad del aprendizaje. Según Ascanio Condivi, su biógrafo, Miguel Ángel, ya viejo, negará su relación con Ghirlandaio, confirmada, no obstante, por otras fuentes y por Vasari. Es probable que la duración del primer aprendizaje no fuera inferior a dos años, para permitir el dominio de la técnica del fresco; además, parece que Miguel Ángel recibió una compensación de 24 florines mensuales en reconocimiento a su talento. Por otro lado, aparte de los dibujos, no se conocen ensayos pictóricos figurativos que documenten la relación del maestro con el discípulo o que puedan llenar el vacío del catálogo de la pintura de Miguel Ángel antes del Tondo Doni.

Según cuenta Giorgio Vasari, fue al salir del jardín mediceo cuando Pietro Torrigiano, celoso de la juvenil habilidad de Miguel Ángel y de la predilección que el Magnífico mostraba por él, propinó al escultor el tremendo puñetazo que convirtió su hueso nasal en una "oblea" y le dejó chato para siempre, incidente que motivó el destierro del agresor

En sus primeros años dedicados a la escultura, se remontan dos obras de Miguel Ángel: “Madonna Della escala” (virgen de la escalera)y la “Battaglia dei Centauro” (batalla de los centuros) realizadas alrededor de 1492.

En este mismo año murió su protector Lorenzo dei Medici.Esta muerte provocó un gran dolor a Miguel Ángel.

Debido a esto y a la desaparición de Lorenzo il Magnífico hizo que cambiara profundamente el espíritu y el amor por el arte, sobre todo había cambiado el clima político.

Batalla de los Centauros año 1490


La batalla de los centauros y los lapitas

La Batalla de los centauros es una escultura en relieve en mármol datada cerca de 1492 y que se guarda en el museo de la Casa Buonarotti de Florencia. Sus medidas son de 84,5 x 90,5 cm.

Está realizada en mármol de Carrara donado por Lorenzo el Magnifico para su realización, Ascanio Condivi realta en su biografía sobre Miguel Ángel, que fue ejecutada poco antes de la defunción de Lorenzo hacia principios de 1492. El relieve representa la batalla entre los griegos y los centauros y seguramente la idea se la sugirió un bronce de Bertoldo imitando la batalla de un sarcófago romano y que se encontraba en aquel tiempo en el palacio de los Médici.

Representa la acción del rapto de la princesa Hipodamia (esposa de Piritou) por un centauro, historia relatada por Ovidio, la princesa se encuentra de espaldas, y la mitad de las figuras que serían los centauros, solamente se ve la parte superior de sus cuerpos, por lo que da la impresión que el relieve son todo desnudos masculinos, tiene un cierto parecido con el relieve del púlpito de la catedral de Siena, de los condenados al infierno de Nicola Pisano.

Se nota una clara influencia de los sarcófagos clásicos. Algunos historiadores dicen que tiene influencia de Nicola Pisano. Toda la escena se produce en muy poco espacio. Todo está muy aglutinado. Se basa en la lucha cuerpo a cuerpo. La obra simboliza un poco la lucha del hombre consigo mismo.

Virgen de la escalera año 1491





La Virgen de la escalera es una escultura en relieve de mármol del escultor Miguel Angel datada hacia 1491 y que se guarda en la Casa Buonarroti de Florencia. La obra inacabada tiene unas medidas de 55,5 x 40 cm.
Es una de las primeras esculturas realizadas por Miguel Ángel, cerca de cuando también ejecutó la Batalla de los Centauros. Los detalles de como están realizados los pies de la Virgen, hacen pensar que es realmente una de sus primeras obras, también anterior a la de la Batalla. Está trabajada con el mismo estilo virtuoso de Donatello en la Virgen de la Leche, nombrado estilo stiacciato que significa literalmente «relieve comprimido».

Es un relieve formado por tres planos de figuras: en un primer plano, una serie de figuras de cuerpo entero en relieve casi total; en segundo plano, y parcialmente oculto por el primero, una fila de figuras en un relieve algo más bajo; y, por último, un fondo en bajorrelieve, parcialmente oculto a su vez por el segundo plano. A juicio de Vasari semejante técnica proviene de los antiguos maestros.
Miguel Angel sitúa a la Virgen en una posición extraña, de perfil; se encuentra representada sentada, encima de un cubo de piedra, el Niño se encuentra de espaldas sentado sobre suyo y mamando, puede que esté dormido pues tiene el brazo flácido. El brazo parece el de un adulto. Una escalera puesta en la parte izquierda, se cree, que hace referencia a un libro publicado en 1477: Libro de la escalera del Paraíso, con la metáfora atribuida a San Agustín por la que la Virgen se convierte en escalera para la bajada de Jesús a la tierra y a la vez por la que pueden subir los mortales, al cielo.
También se cree que los cinco escalones representan las cinco letras del nombre de María y, siguiendo con los símbolos, la piedra cuadrada donde está sentada podría referirse a San Pedro, la roca sobre la que la iglesia fue fundada.
Regalada al Duque Cosimo en 1566, fue devuelta a la familia Buonarroti en 1617, permaneciendo desde entonces en la Casa Buonarotti.